雅韵钢琴城关于练琴中放松的一些体会

近我看很多人在分享练琴放松的心得，我认为非常有助于成年人学琴。无论是什么水平的演奏者，放松都贯穿于其中。如何练到放松也成为一个热门话题。我也来说说我的体会。

以前小时候练琴，老师比较强调立指高抬指练习。弹曲子也只注意速度，没有考虑过音的质量,也就是所谓的“鹰爪功”。当时也听不出演奏得好坏，还觉得自己速度上飚的不错。

后来空了一段时间，重拾钢琴。发现速度只是音乐的一个基本的要求，还有其他的。而且“鹰爪功”练出来的力量和速度，到了一定程度，远远跟不上有难度的曲子的要求。因为同样是人体的极限的情况下，抬指高距离长，下键重消耗大，而曲子只需要发出声音，没必要那么大的力量，况且曲子都有力度的要求。所以后来在老师的指导下，立指改为趴指。同样的高抬指练习，落键时控制力度，做出不同的音量。和弦跳跃时手不抬那么高，平行移动等等。逐渐的慢慢改变，但是直到现在也没有完全过来，更不用说完全放松状态了。

我认为的放松，就是“熟练、自然”。或许手型不利于弹琴，但是一样可以做到放松。某一专项的技术，通过专项的练习后，在一些别的曲子里出现了，能自然的解决。这也是练习曲的意义。“无极生太极，太极生两仪。”万事万物都是在经过混乱之后理清头绪，才划分规则的。所以“放松”也一样，不经历“紧张”的过程没法做到真正的“放松”。我所指的“紧张”，不是说让你不注意触键的乱砸，或者人为的把手绷紧，而是一种对未知的，不熟悉的事物的摸索的态度。每个人拿到一个曲子，都有一个不熟悉的过程，这个过程就是“紧张”的过程。曲子由磕磕绊绊到流畅，再到背奏，就是从“紧张”到“放松”的过程，符合自然规律的。

很多人纠结于手的放松，看名家或者老师演奏的视频，想极力的模仿他们的手型，我认为那是不可取的。他们都是经过长期的训练自然形成的手型，他们的放松状态是基于成百上千的练习之上。而且他们演奏的曲目普遍难度较高，对手的放松程度要求也高。他们的“放松”不是看看视频就能学来的。

那怎么放松呢？还是需要自己去体会。我认为放松是不需要刻意练习的，而是在所有技术的练习（练习曲，用于练习的段落）中，做到熟能生巧；在所有有含义的作品中，做到适合年龄阶段的完美表达。当你的手能够驾驭技术，能够表达曲子的意思，你自然就做到放松了。举几个例子，比如拜耳，整本书的目的就是整合双手的旋律，你通过练这本书，能够做到读懂谱记，双手合出曲子即可。比如599，是在这个基础上增加了一些技巧的练习，然后对速度也提出了更高的要求。再到740，就是专项攻克技术难度了。这些都是相对一段学琴过程而言的，而不是某一个曲子你就做到“放松”了，另一个曲子没有“放松”。比如849，你练完可以说，这个学琴过程中，我掌握了基本的流畅弹奏。

至于练习中的心法，比如加入意念，我认为是根据需要。刚开始练琴，谱子、音准都顾不过来，还去想别的，只能增加紧张。什么事情都得一步一步的来。先解决了曲子中的技术问题，再去build曲子，再加入自己的处理。到那个时候，你自己怎么想的别人都管不了了（比如郎朗，至于他演奏的时候想什么，我也不知道）。不同作曲家的不同作品，有不同的演奏方式。同一个曲子，在不同阶段的练习中，也有不同的侧重。难点的技术问题，可能一直要贯穿始终的去练习。

练琴就是静下心来，认认真真的练。练琴时要做到心无旁骛，每一遍都用心去练。先不用去考虑什么期限，什么录视频。就是每天按照一定的任务量完成，合理分配时间和任务。比如分手几遍，合手几遍，慢练几遍，快练几遍，到各种练法，到遍数，到时间。这样每天不会无休止的练琴，从琴房中走出来看看外面的世界，说不定能体会到钢琴作品中需要表达的意象，同时也能的完成。通过一段时间的练习，进入到另一个阶段，就可以用另一套方法练习，这些都是基于老师或者前辈的经验与自己适应的体会的感觉。

放松的体会是一个量变到质变的过程。只要在“量”上训练得法，质变是迟早的事。与其自己琢磨各种奇奇怪怪的练习方法，不如认真听从老师的方法练习一段时间看看效果。与其花时间在论坛上对一些手型、派别等问题争论不休，不如多练几遍，缩短领悟的周期。或许在不经意间，灵光乍现，找到了适合你这个阶段练琴的“通法”。或许在技术问题步步攻破的同时，一个个更高质量的视频脱颖而出，也见证了一段时间学琴的经历。

“轻则灵，灵则动，动则变，变则化。”祝愿所有的练琴者都能练好梦想的曲子，做到真正的身心放松。
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